大家好,今天小编关注到一个比较有意思的话题,就是关于托马斯风光摄影构图的问题,于是小编就整理了4个相关介绍托马斯风光摄影构图的解答,让我们一起看看吧。
您都知道哪些摄影的构图规则,经常使用哪种?
1、摄影构图的核心是什么
托马斯以前在微博询问了大家常用的构图技巧,从300多份回答中,我把各种技巧名称按提及次数排列如下:
构图方法:
三分法(井字构图、黄金分割)、居中构图(对称)、引导线(延长线、汇聚线)、对角线(X线构图)、画框、减法原则、对比构图、平衡法则(和谐)、层次构图(前中后景)、三角形构图、透视(比例)。
斜线,井字,对比,三角等都是构图技巧,“构图技巧最重要的那条是,并且始终是,去掉画面中与主题无关的因素”
“有一句话说得蛮好:突出重点。
在摄影中,构图的规则有很多。具体选择哪一种要根据实际情况来进行判断、选择、优化。
构图其实就是把繁多复杂或者杂乱无章的东西,按照某一主题或想法进行取舍,然后把他们有机协调在一幅画面中。所以,我觉得在选择构图规则时先要明确两件事情。
1.想要表达什么?也就是主题的确定。
2.通过什么去表达?也就是选取被摄对象。
摄影构图规则也是为了帮助拍摄者更快更好地完成以上两件事的方法。
都说摄影是一个做减法的过程。该舍的舍弃了,该留的留下来了。接下来要做的事情就是怎么样安排留下来的各个要素了。这也就涉及到了各种构图形式的选择与使用。
构图形式的灵活使用是最容易让初学者看到学习成果的。
下面,我结合构图形式及其选择谈几点看法,不当之处还望多多指教,希望多多交流进步。
1.根据被拍摄对象自身的构成特点选用恰当的构图形式
其实,我们选择构图形式时,都是自觉不自觉地依据被摄对象的特点来选用的。
人体绘画作品是怎样影响到人体摄影作品的?
早期的摄影不但是人体,就连建筑风景与静物也受绘画的构图影响。
然而,随着摄影设备的大幅度升华与各种影像技术的普及,现代的人体摄影与人体绘画已经互相影响了。
特别是数码技术的应用介入,很多创造性的光影与变形能力等等,事实上已经反过来影响了现当代的绘画艺术。
人体绘画是欧洲中世纪人文主义的延续,对人体美的表现震撼到了人类的灵魂,人体摄影吸收了人体绘画的光、色、等构成因素,但随着摄影技术的普及和发展。人体摄影表现更为灵活、自由,很多方面己超越了人体绘画的表现能力。
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小白学摄影,看了网上这张摄影作品有点懵,求摄影老师点评供学习如何?
一般的摄影作品吧,拍摄没有难度,有难度的是拍摄地点,这种照片很好拍摄,可以看出这是经过后期加工过得,也就是ps调过色,在傍晚雪夜拍下照片,傍晚的的光很容易把雪地的颜色变为蓝色,灯光下自然而然就是暖色,拍完以后将画面导入调色软件,主调偏蓝阴影偏紫,等下的的色彩只需要,白色拉高,在通过色彩通道将暖色拉到适当的位置,这样就形成冷暖对比了,再将房屋的颜色进行调整就好了。我比较习惯使用ps的Camera Raw。给个好评哦,那个如果你的ps没有这个插件,去ps***下载一个就可以了[微笑]
这张片子肯定是用了时间合成技术的处理,天色较为明亮时候先拍摄一张,天色较暗时候再拍摄一张,亮的时候没有人,人是在较暗的时候路灯开启的情况下才可能有那样明显的人物阴影,换句话说这张图片的人物阴影过于***。两张片子拍完以后再进行后期合成把人物合成到天色较为亮一些的那张片子里面去就得到这样一个效果,希望我的回答能对你有帮助,谢谢。
摄影如何被其“产地”定义?
摄影如何被其“产地”定义?观看上海摄影中心2017年首个展览《德国制造》(Made in Germany)时,这一问题在我脑中不断出现。展览《德国制造》的副标题是“从十九世纪到今天的德国摄影”,其中作品以时间为序,以120幅照片展示了160年来德国摄影史上一系列重要的历史时刻,力图证明,尽管被公认的“摄影发明者”分属英法两国,使得同在欧洲的德国似乎在迎接这种新媒介时慢了半拍,但对于这一媒介的进化和发展,德国也做出了重要贡献:不仅在于技术领域——徕卡和蔡司这两大器材品牌诞生在德国,更在于在德国诞生了一大批影响深远的摄影师。
一走进上海摄影中心,观众首先看到康迪达·霍弗(Candida Hofer)巨幅的彩色照片《杜塞尔多夫本拉特宫之四》(Benrather Schloss Dusseldorf IV, 2011),与霍弗拍摄的大多数欧洲重要的室内空间一样,这幅照片有着严谨而平稳的构图,展示了一个空旷但装饰华丽的房间。画面中央,是三扇紧闭的浅蓝色门,下边格状大理石地面夹杂着红色与[_a***_],除此之外,便是大片的白色。照片中并未出现窗子,但观看者依然感觉其中充满了光。与霍弗其他的空间照片一样,人被排除在外,其描述空间的方式符合近来多被提及的一种摄影语言:无表情摄影(deadpan photography),即照片中没有悲喜,摄影师***用超然的态度,也不会刻意寻找新颖、刁钻的视角或构图,而将拍摄对象置于画面中央,不管人还是物,都以其本来的样子直面观看者。中立(neutral)、冷淡(indifferent),这些正是如今常常与德国摄影联系在一起的形容词。
鉴于上海摄影中心的建筑结构,霍弗照片的位置,大致可以看作是个前厅。事实上,左手边的门洞里面才是展览的第一个展厅。而等看完整个展览,观众就会发现霍弗这张照片其实是最后一张。由于照片巨大的体量以及现场的空间结构,它却成了最先进入视线的照片,结尾成了开头。当然,对于依然在向前发展的一种媒介,我们并不能说霍弗就是德国摄影的结尾,但从她所代表的当下这个时间点开始回溯,倒为观展的体验增添了某种悬疑的趣味,好像是给观众抛出了问题,让我们花整个观展过程来探究,德国摄影怎样发展到今天的样貌?
前厅左侧的墙上,为数不多的几张照片——包括利奥波德·阿伦德茨(Leopold Ahrendts)精准的建筑摄影和海因里希·库恩(Heinrich Kuhn)的画意实验才是展览真正的开头,这面墙虽然简要,却似乎预示了之后会交替出现的两种态度,即客观的记录与主观的表达。向左转入第一个展厅,其中主要呈现了包豪斯(The Bauhaus)和“新视野”(New Vision)风格的作品。1919年,德国建筑师沃尔特·格罗佩斯(Walter Gropius)创办了包豪斯设计学院,它一度成为先锋艺术家的乌托邦避难所,在世界范围成为创意的代名词。尽管直到1927年沃尔特·彼得汉斯(Walter Peterhans)加入包豪斯设计学院之后,摄影才正式成为其中一门课程,但早在1923年,匈牙利构成主义艺术家拉斯洛·莫霍里-纳吉(Laszlo Moholy-Nagy)就已将摄影融入当时的学生作业中,并鼓励学生以摄影记录生活中,感染了一批师生对摄影的兴趣。在莫霍里-纳吉所推崇的根植于20世纪技术与文化的“新视野”旗帜下,这个展厅里悬挂着可以说是《德国制造》中最具实验性的一批照片:曾经就读于包豪斯设计学院的保罗·赛通(Paul Citroen, 1896-1983)的《阿兰纳》(Alannah, 1928)展现一位年轻女性朦胧的近景肖像,照片表面上则用手绘线条勾勒出与之错位的一张面孔,其边上多出一个小男孩的脸;欧文·布鲁门菲尔德(Erwin Blumenfeld, 18***-1969)的《吉尔的双肖像》(Double Portrait, Paris [Jill], 1936-38)通过暗房操作将拍摄同一位女性的两张底片叠加处理;从包豪斯设计学院辍学的奥托·阿姆波尔(Otto Umbehr, 1902-1980)拍摄了柏林的波西米亚社区,他将实验性的不寻常视角和构图与对城市的观察相结合,创造了独特的视觉语言,专注于平常生活中的神秘和奇迹,尤其他的两幅拍摄塑料模特的作品,《梦想家》(Dreamers, 1928/29)和《拖鞋》(Slippers, 1928/29),其中日常的物品流露出一丝怪异。
稍稍令人遗憾的是,对于作为“新视野”的拥立者的莫霍里-纳吉,展览中仅仅收录了其一张照片:拍摄于1929年的《***太阳》(Midnight Sun),照片上半部分展示挪威特罗姆瑟(Tromsø)质朴的木屋和阳光下反着白光的土路,路边站着的两个人差一点被占据画面下三分之二的前景中不明物体的拉长的阴影淹没。与莫霍里-纳吉20世纪20年代早期在相机的创意用法以及暗房操作方面的实验作品比起来,《***阳光》似乎并不足以展示“新视野”对于抽象方面摄影语言的探索和创造,或许,若依然只能以一张莫霍里-纳吉的作品为代表,那么1924年的摄影蒙太奇作品《尚武》(Militari***)会是更合适的选择,画面中由坦克组成的机械巨兽军队正向着人的血肉之躯开进。尽管莫霍里-纳吉在20世纪20年代同时开始探索摄影、物影照片(photogram)和摄影蒙太奇,但其摄影蒙太奇才是最能凸显“新视野”实验性的手段。在他本人看来,“摄影蒙太奇利用摄影传达了其他手段所无法达成的思想”。《尚武》也被莫霍里-纳吉称为“宣传海报”(Propaganda Poster),是对那个时代媒体照片浅薄的戏剧性的批判。艺术家将从媒体上剪下的照片进行拼贴,然后将这一成果重新拍下来,最终效果看起来是一张照片,同时又通过构图中不同元素间失调的比例挑战观看者的眼睛。莫霍里-纳吉曾经阐述道,“之前被认为是失调的,现在成了惊人的体验!它邀请我们重新评估观看方式。”
到此,以上就是小编对于托马斯风光摄影构图的问题就介绍到这了,希望介绍关于托马斯风光摄影构图的4点解答对大家有用。
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