静物摄影陈旧图片,静物摄影陈旧图片大全

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于静物摄影陈旧图片的问题，于是小编就整理了3个相关介绍静物摄影陈旧图片的解答，让我们一起看看吧。

1. 艺术家们都是怎样刺激灵感，从而进行艺术创作的？
2. 在绘画中，色彩应该如何运用？
3. 作为艺术爱好者，你认为崭新的绘画题材是怎样冲击固有的绘画思维？

艺术家们都是怎样***灵感，从而进行艺术创作的？

一代人有一代人的天富，劳动艺人为了生存战争保家卫国，吃饭活下去，艺带人有无穷无尽的用法用量，代代相传，***离不开艺，越来越好，说不完整，反正对人有好处都在用，生活很精彩

你好，很开心回答你的问题

灵感，是艺术家创作的重要源泉。

对于绘画创作而言，画家创作，***灵感的方式是多种多样

超现实天才画家达利，他创作的灵感主要来源于自己的梦境，用荒诞，极端的艺术手法营造梦境，甚至达利为了***自己梦境中的灵感而吃下***

达利的摄影作品《原子的达利》，是画家自己，椅子，猫悬浮半空的场景，为了***自己的灵感，达到最佳摄影效果，当达利跃起，助手们不停把猫抛向半空，不停向空中泼水，忙活了六个小时，反复许多次达到理想的效果才收工。

超现实画家达利，***自己创作灵感的方式有些极端，但是天才的思维方式宗教是不同于常人的

对于我们常人来说，怎么***我们的创作灵感呢？

无论你画风景，人物，静物题材的，你创作之前，首先要深入观察生活，体验生活，因为艺术创作灵感，都是从生活中提取的素材

比如极端主义画家冷军创作，冷军不是随意挑选模特的，***必须和冷军共同生活一段时间，冷军深入观察了***的性格，气质之后才下班作画

灵感就像艺术创作的催化剂，能让艺术家较快、又轻松地完成创作。许多经典作品往往是艺术家在灵感高峰期信手拈来的。

从古至今，艺术家获取灵感的方式千奇百怪，我在这里谈谈我熟悉的几位驰名中外的艺术家，看看他们是如何获得灵感，并创作出惊世骇俗的作品的。

拉斐尔《圣母子》

拉斐尔

意大利画家拉斐尔（1483年——1520年）是文艺复兴初期跟达芬奇、米开朗基罗齐名的绘画巨匠，他是一位为绘画而生的人，每天除过吃饭、睡觉就是画画了，他甚至把自己的***时间都用在了画画上，不是正在画画，就是正在酝酿怎么画画。

他获取灵感的方式，可以说是硬憋出来的。

拉斐尔《亚当与夏娃》

每当他想画画，却不知道如何下笔时，他通常会拿起画笔站在画架旁，眼睛一动不动地盯着画布，仿佛要把画布看穿。他有时站几分钟就有感觉了，有时甚至要站上几个小时才有感觉，当感觉降临，他立马挥动画笔把感觉捕捉下来。他正是依靠这种执着精神憋出灵感的。

我不是艺术家，不是很清楚，就算是艺术家本人，***创作灵感的方法也不同。嫖赌饮荡吹，是最常见的。另外，深夜独处，隐居避世也是办法。总的说来无非两点：要么深刻地体验生活，要么安静的隔离尘嚣。

伟大领袖***曾经说过，艺术的灵感来源于生活。古今中外的名著名人用他们的生活经历和人生经验也都在不同程度的讲述着一个不变的真理。艺术和灵感是生活的回音，没有生活就没有艺术，一个好的艺术家或者想要从事艺术创作的人一定要好好的享受生活，感受生活，体验人生，象古人讲的那样与时俱息，与时俱想，与时俱进。在生活中发现那些与众不同的闪光点，深刻的反思现实与未来间契合的东西，用一颗爱心与生活同脉，与大众同脉，既要能观山是山观水是水，还要能看山不是山看水不是水，最后再回归到看山依然是山看水依然是水。灵感是艺术的泉水，也是一个艺术家艺术之路的源泉，世界夲不乏美，缺的是善于发现美的那双眼睛和智慧。什么是灵感，及时发现生活中的闪光点，以艺术家特有冲动和***，用审美意象去抒情达意，展现生活，启迪未来，取娱于民，教化于世，就是灵感。所谓的***灵感，我的理解是那些大的有名的艺术家在长期的艺术创作之后对自己刻骨铭心的生活经历和人生坎坷挖掘至尽，或遇艺术灵感之缺乏，而开辟新的生活领域的一种历练。艺术来源于生活而高于生活，只有热爰生活，又不甘平凡，对未来充满幻想和希望的人，才能在平凡中发现不平凡。万事万物总关情，艺术的真谛就是，述事抒情，叙情达意，动之以情，晓之以理。以艺术启世，以艺术立世，以艺术传世。

在绘画中，色彩应该如何运用？

色彩是给画艺术的灵魂和美貌。色彩可以让一幅画作瞬间升华。色彩美升华为意境美艺术美，就是一幅成功之作。

运用色彩一切围绕真实，美妙，升华，愉悦心灵，赏心悦目，富于意味为主基调。色彩为主题，为美化灵感，为突出美意而设定。唯美，诗意，令人神往而营造创意。

构图固然重要，但作为色彩艺术的画作，色彩几乎是吸引审美眼光的绝对诱因。一幅成功的画作，欣赏者几乎是从色彩开始，从色彩惊叹，从色彩驻足静观，从色彩进入画作意境，从色彩达到理解画作奥妙，从色彩共鸣，从色彩震撼，再从色彩结束。

色彩对一幅画作的成败太天键了。有赏画功力的鉴赏家，选择画作进行展出，在看到画家展示画作的，没有展开时，就会很有把握地说，别展开了，你的作品入展了。这是为什么？因为鉴赏力极强的评判者，从背面就看到了绘画的色彩，画作美不美就能定乾坤。

油画艺术的色彩尤其重要。从某方画说，油画是色彩的艺术。真实就真实在色彩上。立体惑的体现，是色彩光影的放果。油画艺术作品的美，也体现在真实鲜活，清新，妙不可言的色彩上。

不得不承认自己是一个非常好色的男人，对一幅画色彩的关注度远远大于形体。我认为仅凭色彩本身的表现力就足以言情达意。

但我学画之初却忽视了这一点，画了好几年的素描，已经画的非常好了才开始画色彩。结果一直被用明暗关系塑造形体的习惯束缚，画出的色彩就是固有色加素描。按我们行话就是没有颜色。不懂色彩关系，不知道冷暖对比。甚至面对一片没有明显形体结构的花海不知从何入手。

多年后才走出阴影学会了用色彩来表现，简单的说就是直觉，第一眼看上去的那份感受。忘掉形体、忘掉技法、只是色块。把第一眼进入心灵的色彩准确的呈现出来。通过对比找出大关系下的细微差别来充实细节，用色彩关系的变化塑造形体。就一定能画出生动感人的作品

无论是中国画，还是油画，在过去都喜欢设色，给画面中渲染出具有强烈视觉冲击力的色彩，让画面呈现出强烈的装饰效果，一直是所有绘画艺术里最核心的元素。像我国古代的院体画、宫廷画，以及民间绘画，还有以画中区分的青绿山水、泥金山水、泼彩山水等，虽然创作技法不同，但都拥有五光十色的色彩，这些色彩跟大自然中物象的固有色是一致的。

青绿山水

然而，到宋元之际，由于“文人画”在苏轼、赵孟頫等具有广泛影响力的文人士大夫的推动下，逐渐兴盛起来。这些文人在创作绘画时，深受孔子“绘事后素”审美思想的影响，这个成语后来的意思演变为：在绘画艺术中，彰显物象的率真状态才是根本，它跟色彩的关系不是很大。

梵高·花园花开

同时，“书画同源”的理念对中国画的影响也十分大，所以，中国画从之前的喜好颜色，逐渐变成了对颜色的弱化，开始以素雅的水墨，或者清淡的色彩来作画，在视觉感受力上，变得越来越弱小。

雷诺阿·手拿雏菊的年轻女孩

但在之前，南北朝著名书画理论家谢赫概括的“谢赫六法”，即气韵生动，骨法用笔，应物象形，随类赋彩，经营位置，传移模写，一直是中国画的创作标准和审美标准。其中，“随类赋彩”就是中国画运用色彩的标准，此法则中“类”指代“物象”。

这个问题太大了!怎么用色？一是学会配色，这是基础;二看画种，是国画还是西画,是写意还是工笔等;三是看画什么，内容决定形式。另外，每个画家绘画风格不同，用色也千差万别。如果细说，涉及的面就太广了，具体怎么用色，还须画家在实践中自己去摸索。

每个人的色彩感知是不同的。感受也是不同的。不喜欢各种套路方法理论。

画画时，想运用好，画好色彩。

1:看各路大师，或者自己喜欢的***作品。

跟他们学习怎么运用了色彩。

2:生活的多观察，色彩充满在现实中。

用自己的眼睛，去看真实世界里，环境里色彩是什么样子的。

3:勤勉多画。

作为艺术[_a***_]，你认为崭新的绘画题材是怎样冲击固有的绘画思维？

这是艺术亘古不变的规律，绘画当然也不例外。

历史脚步不会停歇，因为时间不会停，不同的时代自然会有较之以前的变化，包括新的事物，新的思想，新的审美等等，那么这些表现在绘画上，自然就有不同的绘画题材，而新的绘画题材，当然会从表现形式，审美习惯，传承创新等，许多方面冲击着绘画者的思维，也冲击着固有的绘画艺术的思维。

如果我们看中国画的历史，这种情况也显而易见，中国绘画历史悠久，远古时期出现了原始岩画和彩陶画，战国时期出现了画在丝织品上的绘画——帛画。这些早期绘画奠定了后世中国绘画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。

隋唐时期绘画呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远

中国画从题材分有所谓画分三科的说法，就是主要分为人物，山水，花鸟。而看上面的历史，这些题材绝不是同时就开始盛行的，都有一个新题材冲击固有题材的状况，也同样冲击着固有的思维，从题材上开始丰富，中国画由过去士大夫和贵族***自赏的贵族艺术转向为“民众的艺术”，使中国画在题材内容上产生了深刻的变化，画家们将视角投向社会现实，从表现形式上也有了工笔，文人画，写意，水墨，大写意，泼墨，等等，才使得中国画不但更加成熟全面，也更有了自己的独特性和自成一体。

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