静物摄影 拍白纸,

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于静物摄影 拍白纸的问题，于是小编就整理了4个相关介绍静物摄影 拍白纸的解答，让我们一起看看吧。

1. 名画中金光闪闪的静物是如何调色画上去的？
2. 静物拍摄中，你只有一只闪光灯，你如何拍出自己想要的效果？
3. 怎样拍好饰品？
4. 中国画技法怎么用在摄影里？有什么好方法？

名画中金光闪闪的静物是如何调色画上去的？

对这个问题，我有一个很深的记忆，小时在中苏友好大厦看过俄罗斯十九世纪油画展，其中有列宾一幅画，一穿暗黑色衣服女子佩带一串金光灿灿的金鍊，远看闪闪发光，近细看，那金币般的饰物一点不亮，甚至是明度比***还暗一点的土***，再远看，依然金光灿灿，这幅画给我留下極深印象，后来懂得，这是利用不同明度的色彩对比产生的视觉印象，细想想，这种情况普遍存在，白天星星在天，但看不到，晚上依然是那些星星，在暗空中闪闪发光，即使中国画中，也充分利用色.墨与白纸的明度对比，下面我这幅小画中，眼睛用的***调三青，本身明度不高，不亮，但在周围黑色环境里，会觉得眼睛发亮。

类似的问题在我学画的过程中也曾经产生过。其实就是一个阶段性认识的问题，且具有比较强烈的代表性和普遍性。

在学画的初级阶段，我们对好的作品的认识通常就是要像。所谓的“像”就是看啥画啥，就是看一眼，画一笔，边看边画。这个阶段属于模仿现实的好奇阶段，比较被动。是对外部世界的承认。

如果你被兴趣支撑着恰好渡过了初级阶段，那么恭喜你，接下来的中级阶段会慢慢引领着你开始向艺术世界的深处探索，尽管在此过程中你将发现和面对不像，但喜爱艺术的真实情感会促使你有更多认识，产生更多想法。在此阶段，我们通常已经掌握了一些基本绘画技法，在前面的学习基础上你会开始不仅仅满足于看什么画什么，你会在绘画过程中主动加入自己对世界的认知，画一笔、看一笔、想一笔。并且义无反顾的把这种感觉转换成认识而持续研究下去。

紧接着中级阶段的就是高级阶段，但并非终极目标而是另一个开始。这个阶段一旦开始，你会不由自主的顺着自己对艺术长久理解之意志披荆斩棘、奋勇前进。这个阶段时间，你会抛开一且前面的具体认识和桎梏由外向内探讨。你会放弃对物、对形的依赖而追求形而上的独家理念，只可意会，不可言传。所谓化境便是对此最好的描述。

最后回到你提的问题，“金光闪闪”是如何画出来的？答案是：其实并不是真正的金质物品反射出来的光，主要还是利用色彩关系即色彩的对比与调和而“***造”出来的。不同的认识阶段，有不同的技法和技巧。所谓殊途同归，万变不离其宗。只要在艺术道路上不懈努力，简简单单的颜料经过化境一样的巧妙安排，就会异彩纷呈、精彩无限。

在名画中，你看到各种鲜美的色彩，有些光滑如丝，有些金光闪内，有晶莹透明，画家是用什么办法画上去的呢？有些美女的服饰更是镶的朱光宝气，难道是真的镶有珠宝吗？

名画艺术，反映在画家色彩上，金光闪闪的静物，并不是用金粉银粉来调色的，是画家利用色彩的互补关系对比关系及明度关系来完成的。

先来说互补关系吧，色彩虽有无数种，但常用的色彩也不过七八种，通常用的基本是指赤，澄，黄，绿，青，蓝，紫。赤就是大红，黄指淡黄，蓝是湖蓝，这三种色是色彩中的三原色，每两种原色相配调出的第三种色叫补色，这两种原色就是互补色。三原色也就是互补色，画家可利用这互补关系可调出无数种色。

再说对比色，对比色理论上就是相反的色或者说是色彩反差较大的色，画家把两种色彩反差较大的色并排放在—起，就会让人的眼晴产生错觉，如白与黑方在—起好象白的更白，黑的更黑。

色彩的明度关系，每—种纯色，无论如何也只能涂出—块没有变化的色块，但如果降低了它的纯度呢，这个色就会变亮，这种变亮的方法就是指色彩的明度，通常，色彩变亮就是加白色，不过在三原色中，***也是天生的亮色，***中如果再添加白色就会更亮。

名画中，画家利用物体形状在光的作用下，物体不同受光面的受光效果，把物体各面分成五大色调的素描关系来调色，例如，我们在红纸上写蓝色的字，你会发现返紫色的莹光，在红色的纸上写***的字用黑色勾边会产生金黄的立体效果，如果在黄字的笔画中心来提高部分***明度就会有闪光的感觉，这种现象就是黄与黑产生了色彩对比，中心的提高明度就会使色彩闪光。—幅画的艺术性不只是造形，—幅画的色彩能画出物体的质感，是画家的艺术技巧。

名画中如丝般的绸缎服装色彩，也是利用素描关系，结合色彩的对比效果，局部提高色彩明度，给视觉以亮闪闪的感觉。好了，如果回答对你有用，就请关注或参入讨论。

1.颜料特别。有的画家直接用黄金，金粉。金，化学性质稳定。2.调配。每个人都有自己的习惯和方法。都不一样的。还是自己慢慢琢磨出来的好用。3.欣赏作品时需要合适的光线。

静物拍摄中，你只有一只闪光灯，你如何拍出自己想要的效果？

很荣幸能回答楼主的问题

⭐个人而言，很少使用闪光灯，但是还是分享一些个人看法。静物拍摄最主要的是突出拍摄主体和展现物体细节。就一盏灯的话，那我觉得可以舍去背景部分。

⭐使用光比，被摄主体的光比背景的高，用局部测光，将测光点设置在主体上，拍摄后就能将被摄主体的背景变黑，既突出了主体，也避免了杂乱的背景。

⭐控制拍摄距离，如果说一个光源，那么我们在构图上使用特写，配合微距镜，闪光灯再配合柔光布，那么拍摄主题就变为突出物体细节

❗️单一光源创作上，常亮型的补光灯更方便创作，利用光和影的关系，希望我的回答能对楼主有一些帮助。

怎样拍好饰品？

怎么拍好饰品我个人认为可以分三步来实施：首先为拍摄饰品寻找一个合适的地方，一般来讲一张桌子或茶几就可以，如果是平玻璃的那种更好，可在下方放置灯光反衬饰品，另外备一盏聚光灯和一个反光板。为饰品补光增添质感。其次就是针对被摄饰品本身的质地和形状来确定拍摄方式和背景颜色，如手饰可摆拍，挂饰可悬挂或寻找模特来拍，背景颜色应与饰品形成较强反差，这样就突出主题了，或在挂拍时大光圈虚化背景也可以，灯光照射或反射光都是为了体现饰品的质地，所以在室内拍摄时最好类似暗房效果，这样灯光起作用了，对焦时要前后测试做到精准，不虚画面。最后拍摄时可以变换角度，如果要用以[_a***_]用途的后期还可以用软件来修饰。这样的拍摄步骤基本可以达到预期效果，饰品拍摄的适用面较广，大家不妨晚间在家试一试，也许也是一个不错的图片素材。个人观点供参考，欢迎交流！😀

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布局🌿🌿

摆放合理是最关键的，就是怎么感觉放的舒服就怎么放，最好不要把宝贝放在中心位置，这样会很板，自己不会可以看看别人的图片，借鉴一下也可以。

搭配🌿🌿

找一些精致点的小饰品做搭配！当然小饰品搭配也有考究的，可爱型的宝贝要找点可爱的装饰品，复古的宝贝要找点复古的小装饰来进行搭配，也就是注意协调性。这一点很重要一定要协调好。否则你的画面会让人感觉怪怪的。

光线🌿🌿

一个好的照片光线真的很重要，有条件的可以买一些打光灯，布置光源，类似金银手链，在光线上，可以看适度强烈一点，这样手链的光泽就会比较明显，看起来也可以璀璨吸引人一些，而相对强一点的光能比较好地展现手链的光泽度。

角度🌿🌿

比如在手链的拍摄上，角度要掌握好，个人觉得，手链要拍的饱满一些，不要拍得太细小，可以有近照，能看清楚手链的轮廓和细节，也要有个手链的全景照，全景照不要拉得太远，能看清楚手链的整体造型以及手链的大致细节会比较好。

P图🌿🌿

第一是相机，一般的单反都能满足要求了，主要是镜头，有条件的陪一下微距镜头。

第二个是灯光，太阳光是最好的灯光，但是一定要用好反光，避免曝光过度，一般比较简易的白布，白纸都可以充当，再有灯棚一般用的比较多，柔光的效果比灯光直射要好很多。曝光不足的话通过相机调整。

第三就是背景选择，最好不要用一些太花里胡哨的背景，多用一些暖光的单纯背景会比较好。

第四，再好的图片都是需要修理的。

我也是属于刚入门的级别，希望能帮到你。

最好有专业的单反相机，有专业的灯光，如果对产品最终的成像要求不高，那你可以买一个LED的静物台配合手机拍摄就好。当然这些也不是绝对的，自然光下也能拍摄很好的照片，个人经验，大光圈微距是很高的选择。

中国画技法怎么用在摄影里？有什么好方法？

将国画里面的留白用在摄影里应该更能增添几分意境感，尤其是在拍摄风景的时候更要注意。如：可留出大量空白区域给人以无尽的遐想，而不是全部展现。空白的区域并不是意味着什么都没有，而是构图上的稀疏。如拍摄的风景有山有水，有植物，这时空白的区域就是天空。而纪实类的摄影则应当注意不要使用这种方法

谢邀。问：中国画技法怎么用在摄影里……？个人认为，中国画技法要用在摄影里，必须经过分解，剪接合成的工艺程序。缺一不可。由于本人曾经制作过幻灯电影宣传片的制作，有一些体会愿意分享给大家。不过在八十年代以前，是按照的传统剪接合成法工艺完成的。随着当今光电化时代的大力发展，就会容易多了。

一要确定好国画绘制的内容，先择提练好要绘制的素材及对象。如，人物，花鸟，山水等等方面的单个的分制图，多画几遍，加工精细，选择最好的画片留在摄影器材室，以备用。二要求精不求多，求有特色，不求一般。又如，花的茎叶，花辨，花枝等等，可以分开画分开摄。山与水，石，路，亭阁等等，都能分画分摄。人物头像及全身必须细画，衣服着装选色一定要新，人物表情要美，山水花鸟配备要奇。做到艺术形像要与背景相符，不可生，粗，糙，要符合大自然并高出大自然之美。三是剪接合成，把需要的内容排好序，并作好标记。把不需要的内容或不够精细的画样弃之。合成按照传统的方法，是利用电影胶片或者摄影胶片，经过反复推敲，反复放映再作修订，最后确立。最后试影。（以上仅供参考）

中国画有很多技法。比较常见的，有工笔画（也称细笔画），写意画（也称粗笔画），顺笔的“钩”、逆笔的“勒”，还有双钩、白描、干笔画、湿笔画等等。

具体到怎么用在摄影里，我想，可以从构图和意境入手。

我说两个最容易上手的。

留白，顾名思义，就是留下空白。这是作者“有意为之”的手法，意在给读者留下想像的空间。

中国画经常是以白纸黑墨来作画的，所以中国画常见的“留白”大都是“留下白色”。不过，“留下白色”，只是“留白”比较狭义的理解。广义的“留白”可以理解为“留下空白区域”——也就是说，“留白”的区域，不一定专指白色，还可以是其他单一、甚至渐变的颜色。

摄影中的“留白”包含在“极简构图”的概念里。

我为什么说，极简构图包含留白呢，因为在极简构图中，还有其他不留白的方法。不过……不常用。

极简构图拍什么题材都可以，人物，风光，静物……只要你想得到，基本都拍得出来。

中国画的技法没办法用在摄影里。中国画技法讲究皴擦点染。讲究用笔用墨，线是中国画的骨，墨分五彩是中国画的肉。

单纯从中国画的技法来讲，是没办法运用到摄影当中。但是 中国画讲究意境，讲究传神，讲究空灵。在这方面，摄影是可以借鉴而且相互融会贯通。尤其是在拍风景方面，比如拍烟雨朦胧的山景可以和中国水墨画相媲美。

首先感谢邀请.谢谢！

个人认为 ，中国画技法用在摄影里面有几个方法可以用。

第一个是选取拍摄的题材，像山水风景，花鸟风景，乡村风景都比较容易。人物的也可以。在最后说一下人物的。

最好的颜色，就是拍黑白照比较容易出效果。

山水风景，乡村风景都是场面比较大的，有远有近，容易拍出水墨国画中的虚实效果。

最好是在没有阳光的情况下，比如早晨，旁晚，阴天的时候拍照比较理想。

花鸟风景在拍摄的时候，也要选取远近不同的距离拍摄。这样有助于后期制作。

笔者经常用手机相机📷拍摄，没有专业相机📷拍的效果好。

拍摄完以后，可以在电脑里面用（PS软件）修饰一下。PS软件里面有画笔，喷枪，橡皮擦，减淡，海绵，滤镜等工具，用这些工具就可以直接把照片加工成国画效果的图片了。

到此，以上就是小编对于静物摄影 拍白纸的问题就介绍到这了，希望介绍关于静物摄影 拍白纸的4点解答对大家有用。