静物摄影的误区,静物摄影的误区有哪些

大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于静物摄影的误区的问题，于是小编就整理了3个相关介绍静物摄影的误区的解答，让我们一起看看吧。

1. 什么样的摄影作品才能被称为“主流”作品？同理，“主流”摄影师，都有哪些表现呢？
2. 如何避免自己成为一个糟糕的摄影师？
3. 绘画不写生，是怎样的体验？

什么样的摄影作品才能被称为“主流”作品？同理，“主流”摄影师，都有哪些表现呢？

要弄清什么是主流摄影作品。我们先来了解一下什么是主流这个词。主流是事物发展的主要趋势，与人数多少无关。就像一条河，有主流支流分流，我觉得摄影的趋势主流就应该是纪实摄影。这个是已经被我们大家所接受的。有好多优秀的纪实摄影师。他们的摄影作品为我们留下不可磨灭的记忆。摄影的魅力是什么？是什么吸引着我们去摄影，真正的魅力在于它的真实。再有是它的精彩的瞬间。摄影最简单的来说就是记录了历史。定格在这一瞬间。成为永恒。说到摄影器材方面，我觉得手机摄影也会成为将来摄影的主流。随着社会的不断发展，科技在日益进步。手机的诞生及飞速的更新。手机拍照的功能也越来越强大。手机将来一定会成为摄影的主流。说到国内的主流摄影师。依照本人的了解，我觉得以下几位摄影家也算是主流摄影师。朱宪民，王文玉，侯贺良，焦波，胡武功，于德水，黄一鸣，黑明 ， 解海龙等等。

主流摄影作品有祖国的锦秀山河大自然景观、古今园林景点、作品具有新、奇、特的宏伟的建筑壮观，社会各种正面人与事的活动、大多数人们心理都接受的，能在社会上起正面的积极启发、引导、催人奋进，让人积极向上。同时作品必须体现出***，能发挥人们弘扬社会的正能量。对于摄影者想拍出“主流”的作品来说，要面向社会，符合时代的潮流，符合社会的精神面貌。面向大众，适合大众口味并喜爱的作品，不断去探讨、去钻研摄影作品艺术才能，勇于创新。不要墨守成规老一套。

主流的摄影作品，就是大众可以接受的，经常见到的，不那么另类的。就是主流摄影作品。

主流摄影师，拍摄的作品有一种从众心理，大众能接受，但也不会很惊艳 。

主流作品，在此应仅指摄影作品。

摄影之所以能被划列为艺术，其最最根本的功能是其纪实性是其绘画等等平面造型艺术都无法具备的，因此，摄影作品只能是具有其它艺术门类永远不可能取代的纪实类作品才可称的上是主流

为什么那么看重是否“主流”呢？在我看来，这是很多摄影爱好者的一个误区。难道你不知道郭德纲在任何场合都说自己是非主流相声演员么？或许，在他看来主流就意味着传统，教条，缺乏创新，墨守成规。

再来打个比方，我们经常能看到很多人拿着昂贵的相机，去到风景如画的地方，却拍出无数平庸的照片。此中最大的问题在于，他对这个地方的印象，早已被之前看过的优秀照片洗过了脑子，在拍摄时，要不就是毫无感想地按照一些摄影法则构图曝光，要不就是懒惰地使用别人的思维控制自己的拍摄行为。这就是所谓“主流”产生的趋同性。

今天太多人想要拍照获奖，想要加入XX协会，想要尽快出名、变现，所以也造成大量作品一味地迎合专家和评委的审美偏好，可这样带有功利心的拍摄或早或晚会让你迷失，最终一无所成。拍摄的过程，其实是发现内心的过程，带着一颗好奇心，去重新认识世界，这一点相当重要。最后，什么样的人，看到什么样的世界，拍出什么样的照片，一定坚持做自己。

如何避免自己成为一个糟糕的摄影师？

何谓糟糕的摄影师呢？是自己不满意自己，还是客户不满意自己？在自己和客户都满意的情况下，网友不满意？

关于你的问题，我具体谈谈：

一、当你做了商业摄影之后，你会发现，要想让自己、客户、网友三者都满意，太难了。

a，客户，大多数客户都很一般，甚至丑的居多。你拍摄丑的普通的客户，尽量拍摄好一点，客户满意了，但是网友还是不满意。

网友不知道你其实用心了，网友也不知道你的摄影功底啊。

我个人的看法是，要避免成为一个糟糕的摄影师要从几个方面去努力。

第一，基础知识的学习，包括色彩学和美学，相机的设置。这三个方面的知识的含量，决定一个摄影师基本功是否扎实。

先说色彩学，大千世界万紫千红，色彩斑斓，但是人们对色彩的认知并不是很深，不但是分类的问题，色彩的色相，饱和度，明度都要搞清楚。因为色彩是人们的眼睛感知到最容易波动心弦的要素。

再说美学，它是教我们如何认知美的学科，至于相机设置有的朋友会说谁不会呀！其实好的摄影师一定是相机设置的高手，各种环境下都能拍到曝光准确的片子，主要还是相机设置问题。
第二，就是要执着于一个摄影类别的专研，大家都知道摄影分好多类别，新闻，风光，人像，动物，静物等等，而且每个类别还在细分，只要在一个专一的领域能拍出自己的风格就真的挺厉害了！我就是鸟类摄影，干了好多年，别的领域不敢涉足，至今还在努力，感觉跟大师的作品比有天壤之别。
第三，摄影后期的问题，好多人都有个误区，把 PS给丑化了，那是不懂摄影的人的说法。真正的国际摄影***一定是后期***。后期在胶片时代叫暗房，现在叫数码暗房，一个摄影师不懂后期只能是半个摄影师。
最后就是多看名家作品，好和坏是比较出来的，找到了差距，剩下的就是方法了。每个行业都有自己的规律，就看你能否找到这个规律的问题。再就是多拍多练习，这样就不会是一个糟糕的摄影师了。

以上是我个人对这个问题的看法，也不成熟，欢迎朋友们评论，我们互相学习。感谢大家阅读点赞，谢谢朋友们！！

绘画不写生，是怎样的体验？

观察比写生重要

写生是用笔代替照相机***对象的一种退步。绘画写生和书法临帖是一个道理。

古人云，眼中竹不是笔下竹，画竹不能写生，而是仔细观察后，在心中进行形的归纳处理，艺术印象再现，胸有成竹。所谓“源于生活高于生活”。

真正的书画家，最初的确需要经历一段写生临帖，但是要趁生命健康知觉良好的[_a***_]，赶快突围出来，利用写生临帖的记忆残像加上自己的语言去塑造一个“我的”形式、形象，这才是艺术，否则，照本宣科，画家就是一台落伍的照相机。

画葡萄我从来不写生，写生就成了“静物”，死搬硬套。

绘画不写生，其实说到底就是建楼不打基础，一幅没有根的画，总会被风吹倒。写生是最真实的体验，笔墨在此才能发挥其有效的作用。因为你感受到了真实，感受到了事实，感到了这个不可逾越的大世界。我们可以意想去画很多的东西，但它没有根底。一幅没有根底的画，怎么会让一个思想深厚的人却喜欢它呢？我不明白，所有从事于绘画的人也不明白。

“写生”对于视觉艺术来说是非常重要的，特别是绘画艺术，因为绘画艺术围绕“观察力、想象力、创造力”这三要素，进行创作，通俗的讲，写生就是对现实中的真实物象进行观察，从而展开切合实际的想象，问题来了：绘画不写生，是怎样的体验呢？

绘画不写生的体验以及所产生的结果

开篇已经简单提到了，写生就是对现实中的真实物象进行观察，从而展开切合实际的想象，这样创作出来的绘画作品，也才更具有真实感，凡事都是这样，亲眼所见、亲身经历的事情总要比听说的事情，更有体验感，绘画艺术更是如此，

相反，如果绘画不写生的话，创作出来的作品就缺乏“体验感”，没有“体验感”也就不会引发观者的共鸣，这样的绘画作品是毫无意境感可言的，简直就像是机器印刷出来的画，没有经过写生，在创作时，只能完全依靠技巧，当一幅画作掺杂了过多的技巧之后，也就没情感了，

或许有人会认为，有很多画作是没有通过写生，创作出来也显得形象逼真啊，但是当你仔细看的时候就会发现，那样的画作几乎都和照片一样，不论是国画，还是油画，都是如此，没有写生，画作的笔触就会失去规律，因为写实是酝酿真实情绪情感，而笔触的轻重缓疾又由情感的起伏来决定，

综上所述，写生对绘画艺术来说，必不可少，而且还是要用心深刻的写生，其实，绘画创作的“意在笔先”都是写生之下的结果；没有细致入微的写生，就无法实现“意在笔先”把真实画面记忆在脑海里的境界，写生就是一种艺术，能进行深度写生的艺术家少之又少，从而也会导致好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂百里挑一的作品出现。

关于写生

写生很有必要，最简单的是静物。如仅靠照片，咔嚓一下，构图不是太完美也不能补救，写生则静物边画期间如不满意可随时调整位置布局。

人物画写生难度又大些，因为人的表情、精神会随之变化，虽然相机可以定格，但也仅一瞬之间，而写生对人物表情可随时捕捉调整，对某部位也可机动补充，同时也能练就速战速决的能力。

风景写生虽然景物固定不变，首先你要角度变换，找准主景及所描绘的场景对象，同时也需练就速战速决，因为光线会不断变化，景物的立体效果也会前后不搭。此优点很能提高绘画创作水平，因速度优先，必须抓住大体，忽略细节，避免了很多人创作磨洋工，而画出来的作品小家子气、杂乱无章、主次不分、色彩脏灰的结果。

胡道昌2.19..6.30

绘画不写生是缺乏造型能力，零基础的人也一样热爱绘画，想象力再丰富但不懂绘基础，根本无法表达出心目中的形象和思想题材中内容，仅仅是从最初的兴趣开始学起，逐步才进入写生练习，先学简单的素描型体结构，接学色彩基础，逐步变得复杂和高难度，分前期，中期，后期和创作研习期，完成整个过程后，才能独立的默画人体解剖与动态变化，达到炉火纯青为更高境界，以及大自然景观和万物生灵形态，深入生活取材于生活，并且在个人画风上定格，创作出有独到见解的绘画格调，做到见画识人，和艺术灵魂嵌入在作品里，艺术生命力的永久性和存在社会的有效价值，艺术天赋也必不可少。

到此，以上就是小编对于静物摄影的误区的问题就介绍到这了，希望介绍关于静物摄影的误区的3点解答对大家有用。